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Crítica de cine

Crítica Cinematográfica: Sobre Poor Things (2023) y la liberación burguesa

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En la sala oscura que llamamos cine, Bella Baxter nos aparece en escena, sin articular palabras, con su mirada perdida. Enseguida un lazo es sellado entre nosotros y Bella: Hemos de acompañarla en su recorrido por desvelar el mundo tras ser víctima de los experimentos del médico Godwin Baxter. Esta será la premisa principal de la película. Así, nos sumergimos dentro del reflejo estilizado de una sociedad de clases polarizadas.

Bella empezará su camino viajando por el mundo hasta parar en la ostentosa vida burguesa de un crucero que navega por Europa y que funciona como metáfora de la alta sociedad: allá dentro los burgueses recrean su estilo de vida, desconectados de los problemas de la población; velando únicamente por los intereses de su propia clase; y con el supuesto derecho de una vida de ostentación. Este es el primer acercamiento de Bella a la vida material e intelectual fuera del hermético laboratorio. 

De esta forma, será introducida a los extremos del intelectualismo burgués donde encontrará, por un lado, el existencialismo nihilista que tacha todo de un absurdo universal, resultando en una filosofía enajenante, cuya promesa de liberación es únicamente metafísica e individual. Por el otro, aprenderá de las corrientes más optimistas hacia una liberación moral y del cuerpo, pero que, en escrutinio, no se alejan de su opuesto: mantienen resultados individualistas y sin consciencia material de clase. 

Confiar nuestra mirada del mundo en estas filosofías burguesas terminará en nuestra desmovilización por la lucha. Nos encierran. No nos dejan ver que la liberación sólo puede ser material, estructural, colectiva y de clase; no individual e idealista. 

De manera última, Bella lo que termina por descubrir al ser expulsada del crucero es la verdadera cara de la sociedad de clases. Para que las clases dominantes mantengan su poder deben de aplastar la vida de las clases oprimidas. Esta realidad deja a Bella en un estado de tremendo desencanto. Ahora del otro lado de la sociedad de clases, se le revelan las opresiones en las que vivimos como clase desposeída de los medios de producción para satisfacer nuestras necesidades, quedando a la merced de las clases capitalistas (que velan por sus propios intereses capitales). La miseria en la que nos dejan se refleja en la precariedad laboral que nos obliga a aceptar las condiciones más humillantes y deshumanizantes; en ser pisoteadas o morir, en vender nuestro cuerpo para sobrevivir. Ese es el caso de Bella, quien por un periodo de tiempo pasa a ser trabajadora sexual.  

Al vivir en carne propia la doble explotación de la mujer trabajadora (al no poseer los medios de producción y al ser tratada como propiedad privada del patriarca capitalista), Bella toma consciencia de las luchas e injusticias sociales… Y, sin embargo, para el acto final no se llega a comprender que la lucha por la liberación debe ser de clases. La liberación de Bella se torna agridulce ante mis ojos, pues después de lo vivido —por ella y por nosotros—, pareciera ser que su redención concluye en mantenerse en la vida burguesa, tal vez más liberal, pero que no deja de estar cargada sobre los hombros de la clase explotada (aquellos por los que alguna vez lloró Bella).  

En vista de los procesos recientes de profunda agitación, radicalización y decepción hacia el sistema capitalista, Poor Things de Yorgos Lanthimos, se presenta como una película de tintes anticapitalistas, pero sin propuestas más allá del capitalismo. En realidad, esto no es cosa nueva. Las artes y las ciencias posmodernas imperantes mantienen discursos ilusorios hacia un proyecto reformista de capitalismo amigable. Esto es utópico. Los siglos de miseria histórica dentro del capitalismo lo sustentan.  

Es hora de comprender la premisa dialéctica de Marx sobre el capitalismo como etapa histórica de la sociedad que ha llegado a su límite y nos está matando. En otras palabras, debemos luchar por la transición al Estado obrero y la economía socialista. En la arena del arte debe ser igual. 

Poor Things es indudablemente una obra cinematográfica de grandes logros artísticos y técnicos en todas sus áreas de producción, pero el mensaje político de una liberación de los individuos sin cambiar la sociedad de clases no termina de cuajar (y no lo hará). 

En el Manifiesto por un arte revolucionario e independiente (1938), León Trotsky y André Bretón explican que el derecho inalienable de los artistas es la libre elección, con lo que concuerdo y defiendo, pero también escribieron que el arte y el artista para liberarse deben ser revolucionarios, y para ello el arte «no puede dejar de aspirar a una reconstrucción completa y radical de la sociedad». 

Políticamente necesitamos un arte combativo, comunista y revolucionario, no uno que nos aleje de la lucha contra el sistema de clases, abstrayéndonos en buscar el cambio en nosotros mismos.

Crítica de cine: Pride, la comunidad de la diversidad sexual y su papel revolucionario contra el capital

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Esta película del año 2014 y dirigida por Matthew Warchus de origen británico nos muestra un momento del cual el movimiento comunista debe prestar atención y rememorar en este mes que se dedica al Orgullo de la comunidad de la diversidad sexual para recordar que la luchas emancipatorias no están aisladas unas de otras.

La historia del film gira en torno al activista homosexual Mark Ashton, perteneciente a las filas del Partido Comunista de Gran Bretaña quién se dedica, junto a sus camaradas, a reunir fondos para las familias que fueron afectadas por la huelga realizada por el Sindicato Nacional de Mineros en contra de las politicas reaccionarias de la aquel entonces Primer Ministro, Margaret Thatcher.

La película nos muestra al principio como había cierta distancia entre el movimiento obrero y la comunidad rodeada de prejuicios con esta última, pero a lo largo del film podemos ver como la tenacidad de Ashton y sus camaradas derrumban estas barreras para vislumbrar tanto al espectador como a las partes protagonistas que, aunque estén en esferas políticas y sociales completamente diferentes, se vislumbra que al final todos los oprimidos tenemos a un enemigo en común: el capitalismo.

La película nos ayuda a entender que aunque tengamos una lucha “aislada” como dictan los oscurantistas posmodernos, estamos relacionados por el papel que jugamos dentro del sistema capitalista. Y hablando del monstruo podemos vislumbrar en la cinta que el Estado, aquel aparato que funge como administrador de los intereses de la clase dominante, reprime a quién sea con plena igualdad, no importa que sean gays, obreros, maestros, médicos, estudiantes, etc. Ellos te aplastarán por igual por atreverte a desafiar su poder, pero también podemos ampliarlo a todo el aparato en general, en la que los patrones no les importará tu orientación, raza, religión u otra condicionante ya que te explotará por igual.

La lucha entre los obreros y la comunidad de la diversidad sexual contra el régimen de Thatcher debe ser considerado como una importante lección para nosotros los comunistas ya que tenemos la teoría y la práctica de tender estos puentes con diferentes luchas sociales (como las luchas de los pueblos indígenas, las mujeres, la misma comunidad  sexo diversa, etc.) eliminando tanto los prejuicios y la fangosa filosofía posmoderna que enturbia el potencial revolucionario de todos estos movimientos al estar unidos por la opresión generada por un solo enemigo: la burguesía. En el caso de la comunidad de la diversidad sexual es necesario vislumbrar su potencial revolucionario (al ser la refutación de la idea de que la familia nuclear monógama es “natural” según sus acólitos) y de despertar su consciencia de clase al saber que la única fuerza capaz de emancipar y eliminar la homofobia/transfobia es la misma clase obrera.

Oppenheimer: Comunismo, macartismo y la bomba atómica

Oppenheimer: Comunismo, macartismo y la bomba atómica

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Alejándose de sus habituales superproducciones de Hollywood, el último estreno de Christopher Nolan ofrece una mirada dramática y tensa de la vida de J. Robert Oppenheimer, el “padre de la bomba atómica”, explorando de paso la política de los Estados Unidos en la era McCarthy.

La última epopeya del director Christopher Nolan, Oppenheimer, puede parecer un tema inusual para una superproducción veraniega: una película biográfica de tres horas de duración sobre Julius Robert Oppenheimer (interpretado por Cillian Murphy), el físico estadounidense que supervisó el desarrollo de la primera bomba atómica.

Sin embargo, esto no ha disuadido a los espectadores, ya que la película recaudó más de 80 millones de dólares en todo el mundo en su fin de semana de estreno.

Un reparto repleto de estrellas, la publicidad en Internet que anima a verla como película doble, junto a Barbie, y la bien ganada reputación de Nolan como creador de películas de suspense intensas, con impresionantes decorados: todos estos ingredientes, juntos, son una receta para obtener grandes dividendos.

Y no cabe duda de que los jefes de los estudios agradecerán esta inyección de dinero, dadas las huelgas que sacuden Hollywood en estos momentos.

 

Basada en gran medida en la biografía American Prometheus: the Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, la película de Nolan pretende abarcar la compleja vida del físico homónimo a un ritmo vertiginoso, al tiempo que mantiene una tensión dramática insoportable en todo momento.

La interpretación de Murphy es especialmente cautivadora, sobre todo cuando Oppenheimer se enfrenta no sólo a la adversidad personal y profesional, sino también a batallas con su propia conciencia, al darse cuenta del potencial de destrucción que ha contribuido a desencadenar.

En los largometrajes de Nolan, el espectáculo suele triunfar sobre la sustancia. Pero Oppenheimer consigue evitarlo. De hecho, lo más sorprendente (aparte del cameo del antiguo actor infantil de Nickelodeon, Josh Peck) es lo política que es la película.

PCUSA

El argumento gira en torno a la investigación de las asociaciones pasadas de Oppenheimer con miembros del Partido Comunista de EE.UU. ( PCUSA), y la revocación de su autorización de seguridad en 1954 –que puso fin a su carrera– durante el apogeo de la caza de brujas macartista que invadió Estados Unidos.

La película utiliza esta investigación como medio para explorar cómo cambiaron los valores morales del físico antes y después de convertirse en el “padre” de la bomba atómica. Pero al hacerlo, también ofrece una visión de los objetivos cambiantes del imperialismo estadounidense, a medida que se convertía en la superpotencia predominante del mundo.

Dada la conocida histeria anticomunista de la posguerra, al espectador moderno puede parecerle una locura que se permitiera a Oppenheimer –un hombre cuyo hermano, esposa, amante y numerosos amigos y colegas eran todos miembros del PCUSA– dirigir el ultrasecreto “Proyecto Manhattan”.

El PCUSA creció rápidamente a lo largo de las décadas de 1930 y 1940, especialmente tras la Gran Depresión y el consiguiente conflicto industrial. En consecuencia, llegó a ocupar puestos importantes dentro del movimiento obrero estadounidense, aunque lamentablemente a menudo desempeñando un papel lamentable.

Al mismo tiempo, el partido también adquirió un alcance considerable entre la intelectualidad estadounidense, como los académicos que rodearon a Oppenheimer durante su estancia en Berkeley, tal y como retrata la película.

El propio Oppenheimer, aunque nunca fue miembro del PCUSA, era sin duda un “compañero de ruta”. Simpatizaba con muchas causas obreras, como la del republicanismo español, y la película también muestra cómo ayudaba a sus colegas universitarios en sus esfuerzos de sindicalización.

Sin embargo, el frentepopulismo estalinista del PCUSA también influyó en él. Por ello, el físico no tuvo reparos en aceptar la invitación del gobierno estadounidense para unirse a su programa ultrasecreto para desarrollar la bomba antes que los nazis.

En este contexto histórico, Oppenheimer acabó dirigiendo el Proyecto Manhattan.

Sin embargo, su creencia de que el único propósito de la bomba, en manos del imperialismo estadounidense, sería derrotar a los fascistas y poner fin a la guerra pronto se desmoronaría.

La Guerra Fría

Los imperialistas estadounidenses sabían que existía el riesgo de posibles filtraciones a la URSS, a través de científicos simpatizantes del comunismo como Oppenheimer y sus colegas.

Pero estaban dispuestos a correr este riesgo para construir y probar la bomba nuclear lo antes posible, no sólo antes que los nazis, sino también para ganar ventaja sobre los soviéticos.

Nolan hace bien en mostrar cómo las líneas de batalla de la Guerra Fría ya se estaban trazando antes de que la Segunda Guerra Mundial hubiera terminado.

Los estrategas del imperialismo estadounidense temían a la URSS como posible potencia mundial rival. La película muestra cómo ésta fue la verdadera motivación del lanzamiento de la bomba sobre Hiroshima y Nagasaki. Imagen: dominio público.

Stalin había disuelto la Internacional Comunista en 1943 y había renegado enérgicamente de la causa de la revolución socialista internacional. Sin embargo, los estrategas del imperialismo estadounidense temían a la URSS como posible potencia mundial rival.

La película muestra cómo ésta fue la verdadera motivación del lanzamiento de la bomba sobre Hiroshima y Nagasaki. Los imperialistas japoneses estaban dispuestos a rendirse, pero Estados Unidos utilizó cínicamente el país para exhibir su nueva y mortífera arma, como advertencia a la Unión Soviética y como demostración al mundo de que el imperialismo estadounidense era ahora el que mandaba.

Sin embargo, en cuestión de años, los soviéticos también adquirieron capacidad nuclear, debido a las filtraciones del Proyecto Manhattan. Como resultado, la Guerra Fría se aceleró, especialmente tras la Guerra de Corea.

El terror rojo

Se inició entonces la carrera armamentística para desarrollar la bomba de hidrógeno, un arma nuclear de potencia aún mayor que la bomba atómica original.

Oppenheimer se opuso abiertamente a que Estados Unidos desarrollara la bomba de hidrógeno. Y la película muestra su ingenua esperanza de que, como “padre” de la bomba, tenía derecho a opinar sobre su hijo.

La oposición del científico se convirtió en motivo de preocupación para las autoridades y su lealtad empezó a ponerse en duda.

Al mismo tiempo, se desataba la histeria anticomunista en todas partes, que alcanzó su punto álgido con el “Terror Rojo” de principios de la década de 1950.

Miles de miembros y simpatizantes del PCUSA vieron arruinadas sus vidas, perdieron sus empleos y se convirtieron en exiliados en su propio país. Cientos de ellos fueron encarcelados.

Fue en este contexto, espoleado por mezquinas rivalidades profesionales, cuando se inició una investigación sobre la vida y las creencias de Oppenheimer, con un posterior tribunal irregular que declaró al eminente profesor culpable de ser un “ciudadano desleal”.

Su habilitación de seguridad fue revocada, lo que puso fin a su papel como asesor de la Comisión de Energía Atómica. Oppenheimer perdió rápidamente la influencia que había tenido hasta entonces en Washington.

La histeria anticomunista alcanzó su punto álgido con el ” Terror Rojo” de principios de la década de 1950. Imagen: dominio público

Horror y destrucción

El final de la película biográfica muestra a Oppenheimer reflexionando sobre si su creación podría haber puesto en marcha acontecimientos que condujeran a un inevitable armagedón nuclear, y Nolan describe su horripilante visión.

Con la actual guerra en Ucrania provocando estos temores de la época de la Guerra Fría, se pretende claramente recordar al público lo que supondría un intercambio nuclear en la actualidad.

Sin embargo, la Destrucción Mutua Asegurada (MAD, por sus siglas en inglés) que se produciría si las potencias imperialistas del mundo desplegaran sus arsenales atómicos, es suficiente para impedir que las clases dominantes de todo el mundo pulsen nunca el botón. Después de todo, habría pocos beneficios si el planeta se convirtiera en una cáscara radiactiva.

Junto a la enorme –y creciente– fuerza de la clase obrera, este resultado “MAD” es sólo un factor que descarta la Tercera Guerra Mundial.

Pero esto no excluye por completo las guerras. Cada año, en todo el mundo, decenas de miles de personas mueren en batallas por ganancias, mercados, recursos y esferas de influencia, como las guerras civiles en Sudán o Etiopía en la actualidad.

De hecho, a medida que el capitalismo se sumerge aún más en la crisis, el próximo período verá una intensificación de las guerras de poder y los conflictos regionales entre las potencias imperialistas, como en Ucrania, o en Siria antes.

Sólo hay una fuerza en la Tierra que puede poner fin a este “horror sin fin”, como lo describió Lenin: la clase obrera internacional.

Para ello, la clase obrera debe primero tomar conciencia de su poder y fuerza potenciales, y organizarse para derrocar al capitalismo, el verdadero “destructor de mundos”.

Reseña: Guasón – obtienes lo que mereces

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La nueva cinta del Guasón reimagina al villano clásico como la víctima de un sistema que abandona a los mentalmente enfermos y deja a la gente languidecer en una pobreza manufacturada. El capitalismo se muestra como el verdadero villano de Ciudad Gótica.

La nueva cinta de Todd Phillips, Guasón, retrata al personaje titular bajo una nueva luz. Guasón, en contraste con las cintas previas que idealizan el papel del vigilante billonario Bruce Wayne como Batman, sugiere que el sistema capitalista –que produce billones para algunos y para otros la pobreza y el abandono social que crea las condiciones para que el crimen florezca– es el verdadero villano de Ciudad Gótica y que el Guasón es, por su parte, una víctima de ese sistema.

Conocemos a Arthur Fleck, un hombre joven socialmente desadaptado con un desorden mental que le provoca una risa incontrolable. Arthur sueña con convertirse en comediante y lo guía una pasión por llevarle risas a los demás. Él también muestra devoción por su madre enferma a la que cuida y con la que ve a su comediante favorito en El show de Murray Franklin.

Sin embargo, a causa de su peculiar comportamiento, Arthur se ve a sí mismo victimizado. Trabajando como un payaso alquilado, vemos a Arthur balancear un letrero afuera de una tienda para atraer a los clientes, cuando un grupo de jóvenes vándalos roban el letrero antes de romperlo en su cabeza, apalearlo y robarle. ¡Su jefe entonces lo hace pagar el letrero con su propio salario! Luego de perder su trabajo por llevar consigo una pistola a un hospital infantil es atacado en el metro por tres hombres de Wall Street porque no puede dejar de reírse frente a ellos; le dispara a dos de ellos en defensa propia antes de perseguir y matar al tercero, todo mientras va vestido de payaso. Esto mueve una fibra en las masas empobrecidas de Ciudad Gótica que empiezan a protestar, vestidos como payasos con la consigna de ‘matemos a los ricos’.

Las cosas siguen mal para Arthur cuando pierde el acceso a su terapia que le es tan necesaria y a la medicación a causa de los recortes de financiamiento, descubre que sufrió abuso físico por parte de su madre y de la pareja de ella cuando era un niño, llevándolo a asesinar a su madre, y su deplorable actuación humorística recibe las mofas de Murray Franklin en la TV y es motejado por éste como un “Guasón”. Cuando es invitado al show de Murray Franklin, Arthur adopta el nombre de ‘Guasón’ y asiste con su maquillaje de payaso. Murray sigue mofándose de Arthur. Luego de confesar que cometió los asesinatos del metro, decide hacer una broma final –”¿Qué obtienes cuando mezclas a un hombre mentalmente enfermo con una sociedad que lo abandona? ¡Obtienes lo que te mereces!”– antes de acribillar a Franklin en la TV en vivo. Esto desata una revuelta de manifestantes payasos y lleva al asesinato de Thomas Wayne por uno de los manifestantes, quien repite la frase “obtienes lo que te mereces” antes de dispararle a él y a su esposa en frente de un joven Bruce Wayne.

La película nos hace simpatizar con el Guasón en vez de la billonaria familia Wayne, que se hizo de una riqueza obscena mientras los trabajadores de Ciudad Gótica, que produjeron esa riqueza, sufrían. Arthur Fleck estaba enfermo mentalmente, pero no era malvado, él fue llevado a eso por una sociedad que abandona a los que están desesperados y que más precisan de ayuda, una sociedad que pone el interés del lucro por encima de las necesidades de la gente. La clase trabajadora de Ciudad Gótica, resentida por la pobreza manufacturada en la que está forzada a vivir es la burla de la sociedad, constantemente menospreciada por aquellos como Thomas Wayne. Pero en última instancia la broma es para la clase dirigente, y particularmente para la familia Wayne, cuya búsqueda de riqueza y poder a expensas de la clase trabajadora crearon las contradicciones que llevaron a su propia perdición.

La cinta ha enfrentado una andanada de críticas en la prensa burguesa por “incitar a la violencia” al hacernos simpatizar con el Guasón y con los asesinatos que él y sus seguidores cometen. Esto no debería sorprendernos, a la clase dominante le aterra que las masas se alcen en su contra y que su clase obtenga lo que se merece.

Sin embargo, aunque critica acertadamente cómo funciona el sistema capitalista, la pobreza que crea y muestra la manera en la que al descartar a la gente más vulnerable, a menos que cuidar de ella le sea rentable, se convierten en la causa del crimen en la sociedad, no ofrece solución alguna. El Guasón y las revueltas que provoca representan la ira cruda de la clase trabajadora, de una manera muy parecida a las protestas londinenses de 2011, pero sin una dirección. También muestra ejemplos de actos individuales de terrorismo, que en última instancia no contribuyen a derrocar al sistema económico. A fin de combatir la pobreza y la injusticia que son inevitables bajo el capitalismo, debemos crear una economía planificada organizada sobre la base de la necesidad y no del lucro, para combatir la pobreza, la indigencia y la austeridad, para financiar apropiadamente los servicios de salud y velar por los más menesterosos, debemos canalizar la frustración de la clase trabajadora en dirección de la transformación socialista de la sociedad.

Traducción: Francisco Lugo

*El autor es militante de Socialist Appeal, Sección Inglesa de la Corriente Marxista Internacional. 

 

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Crítica de Cine: Magallanes, una historia de la guerra en el Perú

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Escrito por: Carlos Márquez

Perú ha tenido una historia de inestabilidad con una democracia muy débil que cuenta en su andar con diversos gobiernos dictatoriales y militares. Este país sudamericano, que viera nacer a José Carlos Mariátegui, vivió en las décadas de los 80 y 90s una guerra interna como consecuencia de la pobreza, explotación y represión hacia los trabajadores del campo y la ciudad. Guerrillas como Sendero Luminoso fueron de las mejores organizadas del continente, aunque por otro lado una de las de más baja claridad y nivel político, tirándole a fanatismo lunático. El Estado actúo con total saña en contra del pueblo y las guerrillas. Se dice que había hasta criadero de chanchos (cerdos) en que lo animales eran alimentados con carne humana, las torturas eran brutales y los muertos sumaron más de 70mil en dos décadas.

descargaEl director de cine Salvador del Solar, conocido más por su rol de actor en películas como Pantaleón y las Visitadoras, terminó en el año 2015 la película Magallanes. Ésta cuenta con un interesante elenco internacional con actores como el argentino Federico Luppi (el coronel), los peruanos Christian Meier y Magaly Solier (Celina), ella con un papel muy impactante; además del mexicano Damián Alcázar (Magallanes). Este último es muy conocido por su actuación en la saga de Luis Estrada que incluye La ley de Herodes y el Infierno, Damián también se ha comprometido en luchas como Ayotzinapa o la lucha de los maestros mexicanos y es en la actualidad diputado constituyente de la Ciudad de México por el partido Morena.

El centro de la película es una historia del pasado, que enlaza a sus personajes, ocurrida en el departamento de Ayacucho. En este lugar el apoyo a la guerrilla fue muy grande y Las Fuerzas Armadas del Perú instalaron también cuarteles como Los Cabritos y La Casa Rosada que eran centros de tortura y muerte de todo aquel sospechoso de pertenecer o apoyar a la guerrilla.

Ayacucho está lleno de historias trágicas. El ejército torturó al pueblo metiendo sus rostros en aguas putrefactas que no quedaba otra que beberlas hasta el vómito; los cuerpos desnudos, mojados o secos, eran electrificados y también golpeados; las extremidades amarradas comúnmente se dislocaban; las mujeres eran secuestradas y violadas; muchas de las víctimas eran colgadas en helicópteros y echadas al vacío desde lo alto. Estas atrocidades no sólo las sufrieron los guerrilleros, sino también campesinos, estudiantes y obreros que no estaban involucrados en las organizaciones como Sendero Luminosos y el MRTA.

En el filme la época de la guerra ya quedó atrás, la gente trata de vivir su vida bajo la paz pero la vida no es fácil. A Harvey Magallanes, un antiguo militar, dos trabajos sólo le alcanzan para tener una vida de pobreza. Celina, por su parte, tiene una vida difícil pese a que se esfuerza día a día y busca tener su propia peluquería para poder salir adelante. La Guerra en el Perú se acabó, pero al ver la película se nota que las causas de pobreza que generaron esa lucha no se han resuelto. El ejército peruano se nutrió de campesinos, de gente sin empleo, de gente humilde que fue reclutada. La realidad es que ellos, en su mayoría, sufren de las penurias cotidianas y defender los intereses del Estado burgués como individuos nada bueno les dejó.

Las heridas de una guerra sangrienta, aunque a veces se esconden, siguen presentes. Celia fue una víctima de los crímenes del Estado. Uno de los lados más fuertes de la película Magallanes es que nos muestra la dignidad de los trabajadores del Perú, del pueblo Quechua, y Celina, con su vida dura nos muestra que lo que le falta materialmente le sobra de dignidad. Es justo gente como ella quien luchó y luchará por una sociedad mejor que la que el capitalismo en el Perú, Latinoamérica y el mundo no nos puede ofrecer.

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